普林斯顿艺术与社会书单：追寻艺术中的时代精神与风貌

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原创 PUP China 普林斯顿读书汇

Editor's Note

艺术是一种极能打动人的表达与交流方式。古希腊、古罗马的艺术家们将对人性的反思、对神性的向往浇铸进雕塑和陶器中；中世纪的信徒们以画作来将信仰可视化；文艺复兴时期的大师们，让天使脸上泛起了婴儿般的红润、人物身后出现了新生的花草；浪漫主义、新古典主义改变了美学表达与形态；现当代艺术，又给人们以新的反思机会。而在东方，也发展出了独特的艺术。文人画、山水画……艺术的载体不仅是画作，还有书法与诗歌。艺术所表达的也不单是现实重现，更是文人、画者自己的情操与关怀。

艺术史和相关考古学、文学和历史的研究，可以帮我们更好地理解艺术家们所感知的现实，以及他们对自己时代的独特诠释。本篇书单汇集了东西方美术史中的杰作，这些书籍的作者不仅为读者提供了鉴赏艺术的方法，还可以帮助我们进入古典时期的希腊和罗马、米开朗琪罗画中的文艺复兴、伦勃朗笔下的黄金时代、街头艺术家涂鸦中城市、中国古代文人心中的山水。

在视角的转换中、在文字和图像交织中，观者可以进入艺术家的眼睛：瞥见幽深的思索、看到古老的曾经，领悟深沉的感受。人文通过艺术流转——在画布、雕塑和眼睛之间。

古典时期

Classical Art

“古典艺术”何以成为“古典”？为何古希腊雕塑会成为西方艺术史的代表？古希腊罗马的物质文化如何成为“经典”和“艺术”？“古典艺术”在不同时空维度中有怎样的内涵？在这本含有丰富插图的书籍中，剑桥大学艺术史学家Caroline Vout 对这些问题给出了原创的回应：在新的社会环境和文化情境中，古典艺术被不断重新定义。

我们所熟识的“古典艺术”并非可以简单地溯源至古罗马、文艺复兴或是学院派盛行的18世纪。在每一个新的历史时期，古希腊和罗马的文物都不断地被重新包装、被赋予或正面或负面的意义。而这些文物也不断塑造着它们周围的文化与艺术环境。Vout 展示了“古典”产生与变化的过程：“希腊化”时代改变了此前五百年的希腊艺术。这种改变一直延续进了罗马帝国、君士坦丁堡、欧洲宫廷、新古典时期的英国乡村别墅、以及现代的博物馆中。

这本书创造性地探索了“古典艺术”的概念如何在西方历史中流变和重塑，而这种概念也反过来影响了历史本身。

From Ancient to Modern

考古学，借助发掘过去来了解人类的往昔，通过研究文物本身及其背景，来了解文物的意义和作用；艺术史，则关注古物的审美价值，探究特定的物件如何刺激感官，并对此进行美学阐述。考古学和艺术史天然孪生，但往往有着不同的研究路径。From Ancient to Modern 一书，基于纽约大学古代世界研究所的展览，展示了来自古代近东三个标志性遗址的五十件物品，以及其背后的挖掘与研究过程。在这个过程中，文物的考古价值和美学意义逐渐凸显、变化与交织。古物并非只是一个物件，而是有着不同层次的意义与内涵。

The Transformation of Athens

艺术的作用，是反映、还是导致社会政治变化？图像在变化世界中扮演了怎样的角色？

与公元前六世纪末期相比，公元前五世纪中期的雅典陶器有了很大的改变。在陶器呈现的图画中，士兵停止了争斗、运动员不再竞技、爱人间不再你侬我侬。为什么希腊陶工眼中看到的世界不一样了？还是说他们所经历的世界本身发生了转变？

剑桥大学古代历史学家 Robin Osborne 检视了公元前520年至公元前440年间制造的数千件雅典红陶。在近百年的时间跨度中，陶器上的士兵、运动员等形象，以及宴饮、祭祀、求爱等情景，都发生了变化。这些绘制变化并非来自活动本身的改变，而是源于人们对之的价值和美学转变。

这本图文并茂、引人入胜的书，将研究重点聚焦到了人们看待世界的方式上。在不到一个世纪的时间里，古希腊人经历了世界观的重大转变，这些转变体现了古希腊历史和雅典民主制度的变迁。

本书荣获2019年盎格鲁-希腊联盟Runciman奖

Twelve Caesars

如果权力有一张面孔，它会长成什么样？历史记忆中的权力人格化并不少见。在帝制历史悠久的中国，权力行使模式依据不同君主而得以类型化，在中国人的想象中，桀纣桓灵是暴政的同义词，唐宗宋祖则代表着有为之治。

而在雕像艺术和写实绘画传统深厚的西方世界，权力的符号不仅通过人格化而广为认知，更经由艺术创作而可视化，作为一幅幅图像流传在政治领域和文化市场之中。而位居这一权力图像系统中心的，是古罗马皇帝的形象。剑桥大学古典学教授Mary Beard 在这本 Twelve Caesars: Images of Power from the Ancient World to the Modern 中，描述了两千多年来西方权贵名流的形象如何脱胎于罗马皇帝，通过解说240多张高清全彩配图、梳理从古罗马时期到20世纪的罗马皇帝图像生产的系谱，揭示了西方历史中罗马统治者的形象对权力之艺术表现的深刻影响。

本书荣获 Kirkus Reviews 年度最佳传记、年度最佳非虚构类书籍；CapX 年度图书；Waterstones 年度最佳历史书籍

从文艺复兴到浪漫主义

The Art of Philosophy

The Art of Philosophy 探究了16世纪后期到18世纪早期之间，欧洲艺术与哲学的交叉。南加州大学艺术史副教授Susanna Berger 论证道，在当时，视觉艺术的制作与学习为哲学思考提供了重要方法。Berger 研究了众多书封图片、以及艺术家与哲学家合作创作的纪念版画，重现了哲学的视觉呈现。从而补充了欧洲思想史中对视觉艺术的忽视。

本书包含许多以前从未发表过的早期现代的印刷物和绘画，揭示了视觉艺术与哲学思想间的重要联系。

本书荣获2017年文艺复兴研究学会图书奖亚军；2018年早期现代艺术史Roland H. Bainton奖

Histories of Ornament

本书是一部一流的讲述中世纪至今的全球装饰史著作。它前所未有地跨越了时空限制，同时在艺术和建筑领域探讨装饰的作用，还把中世纪、文艺复兴、巴洛克风格和现代欧美的传统与伊斯兰世界、印度、中国和中美洲的传统整合讨论，揭示装饰悠长的历史如何照亮了如今装饰全球复兴之路。本书分为装饰的重要性、影响和作用几个主题，强调了装饰的多元应用和政治性、形式和内涵之争、跨文化交流和局部与总体传统长期的磨合。本书因其权威性和丰富性成为全球装饰史不可或缺的资料。

Still Lives

以米开朗基罗为代表的艺术家们，是他们所处的时代的名人。但名气也给他们带来诸多烦恼：狂热粉丝的跟踪、评论家的毒舌、层出不穷的模仿……在Still Lives 这本书中，伦敦大学学院艺术史学家Maria H. Loh 回溯了米开朗基罗、丢勒和提香等艺术家成为名人的过程。

虽然从很早开始，艺术家们就成为是文字传记的主题之一，但直到文艺复兴时期，艺术家本身才有了和艺术作品相匹配的知名度。Loh 研究了这种转变，展示了绘画和雕塑领域肖像和自画像的扩展，对提升艺术家知名度的作用。Loh审视了在这种新的图像经济中艺术家面临的挑战：自我形象对艺术家来说意味着什么？个人品牌如何影响艺术家的日常生活和工作实践？艺术家自我的形象如何获得长久的艺术价值？在本书丰富的插图和文字阐述中，读者们可以找到这些问题的回应。

Michelangelo’s Design Principles, Particularly in Relation to Those of Raphael

本书是埃尔文·帕诺夫斯基（Erwin Panofsky）——二十世纪最杰出的艺术史学家之一——对于“米开朗基罗研究”的首部英译本，以独特的视角展现了作者早期的学术思想，以及对艺术史转型期的米开朗基罗和鼎盛时期的文艺复兴进行的发蒙启滞的研究。Panofsky将两位文艺复兴时期的大师米开朗基罗和拉斐尔的艺术风格进行比对，展示了文艺复兴全盛时期的艺术史转向。

Verrocchio

安德烈·德尔·委罗基奥（Andrea del Verrocchio）是意大利文艺复兴时期最多才多艺和最有创造力的艺术家之一。他在艺术领域诸多方面都颇有建树，作品横跨雕塑、绘画、金饰、建筑和工程等，极具表现力。Verrocchi 不仅艺术造诣高，还很有教学经验，他的学徒们很多日后成为了最顶尖的艺术家，其中就包括达芬奇、波提切利、洛伦佐·迪·克雷蒂（Lorenzo di Credi）和多梅尼哥·基尔兰达约（Domenico Ghirlandaio）。

这本插图精美的书全面介绍了Verrocchi 的艺术，内容涵盖了他的整个职业生涯。除了他和学生一起创作的作品之外，还有大约五十件雕塑、绘画和素描。这本书借鉴了艺术史的最新研究，展示了为什么韦罗基奥是所有佛罗伦萨艺术家中最具创新性和影响力的艺术家之一。

本书被评为2019年The Art Newspaper最受欢迎书籍

The Moment of Caravaggio

本书是由过去半世纪中的一位顶尖艺术史学者兼评论家所完成的对西方传统中最重要的艺术家之一的突破性研究。本书作者是约翰·霍普金斯大学人文学科和艺术史教授Michael Fried，

在其第一本研究意大利巴洛克画家卡拉瓦乔（Michelangelo Merisi da Caravaggio, 1573-1610）的论著里，Fried 就曾对这位艺术家的革命性成就做出过富有新意的阐述。在The Moment of Caravaggio 中，Fried熔合阐释的机敏、历史的严肃与理论的严密为一炉，对卡拉瓦乔一系列重要作品——从早期的《为蜥蜴所咬的男孩》到晚期的《圣厄休拉的殉难》——进行了流畅连贯又出人意表的解读。本书附有近200张彩图，图文并茂，论述周详。

本书被Choice杂志评为2011年最佳学术著作之一；获美国出版商协会PROSE2010年艺术史与批评类最佳著作奖

Rembrandt's Roughness

黄金时代的伦勃朗把昏暗归于朦胧的背景，以自己细致入微的洞察，在画布上重新排列高光与阴影。画作中的色彩并不丰富，笔触也往往粗犷，但最终呈现出来的光影却让人回味无穷。

粗糙，是最常与伦勃朗的独特风格联系在一起的感官品质。它最好地定义了伦勃朗的绘画纹理的具体结构，微妙地捕捉和吸引观众的想象力。耶鲁大学历史系教授 Nicola Suthor 在本书中展现了伦勃朗的这种独特艺术技巧，是如何拓展了艺术的想象和表达形式的。

借鉴胡塞尔的现象学理论以及伦勃朗同时代人的第一手资料，Suthor 提出了很多新观点，对包含《尼古拉·特尔普教授的解剖课》、《浪子回头》、《亚里士多德与荷马的半身像》等名画进行了再诠释。Suthor 关注绘画过程，如油漆的厚度、彩色底漆的可见性、明暗对比等，以及这些技巧如何成为有效工具，来帮助伦勃朗拓展绘画的表现形式。本书展现了伦勃朗如何用最精妙的笔触来打动观者、让艺术本身成为意义的载体。

变革时期的社会与艺术

Restoration

本书图文并茂地呈现了十九世纪早期法兰西帝国的崩溃给欧洲艺术家带来的影响，揭示了这一群体面对政治剧变，革故鼎新，重塑艺术事业，将历史关键人物和事件融入到艺术作品中的过程。本书曾获巴黎圣母大学纳诺维奇研究所当代欧洲研究银奖。

Alexander von Humboldt and the United States

本书探讨了伟大的科学家、思想家亚历山大·冯·洪堡（Alexander von Humboldt）对美国视觉艺术、科学、文学和政治带来的影响，揭示了洪堡激励人们探赜索隐，谴责奴隶制，为美洲原住民发声的全过程。本书称美国的茫茫荒野为“国家自我意识的标志性组成部分”，是理解美国艺术的一部必不可缺之作。

The Hungry Eye

普林斯顿大学比较文学教授、文化史学家 Leonard Barkan 在学术职业之余，是一名烹饪和美食爱好者，时常执笔关于美食、品酒和烹饪的文章。在他的新作 The Hungry Eye: Eating, Drinking, and European Culture from Rome to the Renaissance 中，他尝试将文化史学家的严谨同对美食的激情结合起来，将自己生活的两个侧面熔铸在一起。

在这本拥有210张精美全彩插图的著作中，Barkan 教授穿梭于从古代到近代一千多年的文学、哲学文本和绘画作品之中，向读者展示：从古至今，欧洲的文化与人们的吃吃喝喝密不可分。饮食既是感官享受，也可以是一种审美体验。Barkan 研究了古代镶嵌画、荷兰静物画和威尼斯的最后晚餐。他描述了古罗马如何成为美食爱好者的天堂，讨论了文艺复兴的视角和晚宴之间令人惊讶的关系，并将带领读者从美食家的角度观察拉伯雷（Rabelais）、莎士比亚、达芬奇和维米尔（Vermeer）等历史人物。

本书装帧精美，配图丰富，印刷优质，在学术价值之外还有相当收藏价值。

现当代艺术

Edgar Degas Sculpture

作为一名艺术家，埃德加·德加（Edgar Degas，1834-1917）很难被简单地概括进某种标签中：与法国印象画派一样，他致力于描绘现代生活。但不同的是，他偏好线条多于颜色和点彩；他偏好在室内工作，而非在户外写生。画家可能是他最广为人知的身份，但他最出名的作品或许是《十四岁的小舞者》。这座雕塑用蜡制成，接近真人大小，穿着芭蕾舞裙，穿着真正的芭蕾舞鞋，戴着真发。它在1881年展出时引起了轰动。这是德加公开展示的唯一一件雕塑，尽管他死后在他的工作室里发现了一百多件雕塑，但都全都落满灰尘，有些已经散架。在他死后将近四十年的时间里，这些作品只是通过他的继承人从原作中铸造的铜像才为人所知。直到1955年，得益于美国慈善家Paul Mellon的捐赠，德加的蜡像原迹出现在艺术市场上，其中大部分作品在美国的国家美术馆永久展出。

这本开创性的书将艺术和科学联系在一起，汇集了绘画和雕塑的杰出艺术史学家的见解，以及国家美术馆管理员和相关科学家的专业知识。本书展示了德加的生活和工作，他的雕塑技术和材料的文章，以及他死后雕塑的故事。本书还对这些作品的艺术历史和制作技术进行了讨论，并附上了相关索引和参考书目。德加的雕塑造诣如何？他的绘画、版画和照片，能如何帮助我们更好地理解他的雕塑作品？这些问题在本书中都得到了独创和深度探讨。

Picasso and Truth

在Picasso and Truth 一书中，当代著名艺术史学者对毕加索进行了富有开创性的重估。从巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）的早期作品《蓝房间》到晚期作品《格尔尼卡》，本书作者T.J.. Clark（加州大学伯克利分校艺术史教授）为这位艺术家20世纪20年代到30年代间的画作提供了令人耳目一新的解读。为何房子空间（room-space）对毕加索的世界观如此重要？以及，当开始意识到“房子空间”的概念太过局促狭小、无法解释20世纪的灾难后，他的艺术发生了什么样的变化？Clark 探讨了在毕加索艺术中的空间和内景的作用、熟悉与怪诞之间的斗争。这本图文并茂的作品一改大部分毕加索研究著述中的传记和偶像崇拜的倾向，重申了这位艺术家本人的人道主义思想以及对残酷战争的反思。

本书获金融时报（FT.com）2013年最佳艺术类图书之一

The Urbanism of Frank Lloyd Wright

本书是第一本专门分析建筑大师弗兰克·劳埃德·赖特（Frank Lloyd Wright）关于现代城市观点的书籍。哈佛大学艺术史和建筑学教授Neil Levine为赖特的众多作品提供了全新的注解，认为赖特对于城市的理解绝非仅仅局限于“广亩城市”这样乌托邦式的规划，而是极其丰富、广博并且有趣，甚至能够使其配得上现代城市思想的奠基人之一。赖特参与了芝加哥、麦迪逊、华盛顿、匹兹堡和巴格达的城市建设，设计了商业、多用途、市政和文化中心等项目。

本书包含众多一手图片资料，是建筑类书籍中必不可少的一本。

本书荣获 PROSE 建筑与城市规划大奖

Haring-isms

新波普艺术家基斯·哈林（Keith Haring）以标志性的空心小人闻名全球，被称为“涂鸦艺术之父“。哈林大胆且独特的数字、舞蹈线条图、街头壁画、粉笔画和涂鸦风格影响了一个时代，也加深了人们对社会问题的认识：从同性恋权利到艾滋病防控、预防吸毒和妇女选举权等。本书基于哈林的日记和相关采访，汇集了这位传奇艺术家的言论。这些语录展现了他对人生、死亡、多元、可能性、不确定性等问题的思考，反映了哈林在艺术世界之外的社会关切。

东亚艺术与文化

Art as History

在普林斯顿大学和大都会艺术博物馆50年职业生涯中，著名美术史学家、普林斯顿大学中国艺术史教授方闻（Wen C. Fong）帮助创建了东亚艺术史领域。本书是方闻教授的代表作，汇总了中国书画史学家的作品，探讨了许多主要的议题：艺术品如何展现历史、博物馆的研究和教育功能、书法和绘画在中国美术中的核心地位与紧密联系、早期绘画史中具象绘画和雕刻艺术的并行发展、文人画的出现、师徒谱系在塑造中国绘画历史中的作用、收藏家的角色……

本书巧妙地把史学家著作中的深入分析与详实情景相结合，展现了中国书画研究如何激发对中国文化和历史的深刻见解。

本书被评为Choice年度杰出学术著作

Bridges to Heaven

方闻教授（Wen C. Fong）在普林斯顿大学创办了美国第一个东亚艺术史博士生项目并于1954年至1999年间指导了超30位博士生，他们中的大多数都在美国、东亚和欧洲获教授职称或任职于博物馆。

这两册书汇集了约40篇由方闻教授的学生及同事撰写的中日韩艺术史论文，致敬教授在普林斯顿大学和大都会艺术博物馆长达半个世纪的卓越贡献。本书涵盖多种主题，兼具深度和开创性，从早期的翡翠和青铜到传统绘画和印刷，再到摄影、电影和现代博物馆的实践，为了解东亚艺术提供了诸多方向，是东亚艺术研究的里程碑。

Commemorative Landscape Painting in China

什么时候风景不仅仅是风景？这是对明朝中国画的一个重要流派的研究，包含了丰富的插图。其中，山水实际上是个人潜在的精神肖像，其意义包括：颂扬个人成就、抱负和品味，以公开努力赢得认可、支持和社会地位。在这项独特的研究中， 韦尔斯利学院荣誉教授Anne de Coursey Clapp 展示了这些具有纪念意义的山水画的广阔视野，以及其在宋元时期的先声。

本书描绘了中国古代的文人们，如何像书写文学传记一样，来在山水画中寄托情怀。自然风光看似是山水画的主角，但其实山水的真正作用是反映文人隐士的人文思想。这种纪念性山水画在元代出现，在明代蓬勃发展。这些画作承载的不仅有图像，还有文字，更有文人寄情于山水的情操与关怀。

**本文头图为维米尔（Vermeer）“The Art of Painting”

原标题：《普林斯顿艺术与社会书单：追寻艺术中的时代精神与风貌》

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网址：普林斯顿艺术与社会书单：追寻艺术中的时代精神与风貌 https://www.yuejiaxmz.com/news/view/223901

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