ArtCM 艺厘米

茶几的高度一般在70厘米到85厘米之间。 #生活常识# #茶几#

2016年4月9日下午3点，银川国际动漫艺术展“非常上瘾 --- 日常生活美学的再延伸”将在银川当代美术馆开幕。本次展览由银川当代美术馆艺术总监谢素贞策展，台湾凤甲当代美术馆馆长苏珀琪，及金泽21世纪美术馆策展人Chieko Kitade（北出智惠子）协同策展，邀请了41位中国、台湾、日本及韩国艺术家创作的动漫艺术作品，包括画作、雕塑、装置、视频，意欲期待动漫的常民美学掀起大众对艺术的好奇心，共享艺术之好。
动漫美学是唯一跨种族、宗教、国家、性别、年龄的美学，充塞弥漫于我们的日常生活当中，当代艺术反应这个时代的生活美学导向，展现避世、讽刺、幽默、想象的文字姿态，若中国古代文人画，寄情与山水，而当代艺术家则寄情于动漫的人物及异想的场域抒发自我对环境的意境。目前以如此的动漫美学抒发的文化创意产品延伸至动漫游戏的热潮，已经是下一个世代的普世语彙，代表轻松愉快及另类价值的艺术社会学观。
此次展览不以国家、年龄分类分展厅，因为动漫艺术本身是以现代进行式在发展演变，饶富趣味。若现在以文字或学究式的思维方式来解析动漫，会难以进入这个荒谬美妙的视觉境界；在这个境界中，文字或是学术状若擦边球，“只要我喜欢，有什么不可以”，可以是艺术家与观众的共同语彙。这类美学的简化颇带有超现实及波普艺术的延伸，但是又深入民众的生活，时时跨越艺术与设计的界限，资本主义与艺术世界已无旧日的鸿沟，握手言欢。
近年来动漫美学在亚洲发展的非常迅速，拿亚洲地区的动漫美学来说，中国、台湾、日本及韩国地区来说是截然不同的。此次银川国际动漫艺术展“非常上瘾 --- 日常生活美学的再延伸”展览不以学院、学术、国籍分类，所有的画作、雕塑、装置、视频全部分散在4个展厅中，只看艺术家发挥，让观众直观感受。
此次展览将一直展出到7月10日，另外配合展览的举办，银川当代美术馆还将举办“第十四届ChinaJOY Cosplay 嘉年华西北赛区”活动，预选赛将于4月30-5月1日进行，6月9日-6月11日进行西北赛区决赛。

文/苏珀琪
自从日本艺术家村上隆大辣辣地说出日本当代文化的超扁平现象后，旋即带起亚洲一股将生活中处处可见的动漫大众文化融入当代艺术的风潮。从日本、韩国、台湾、中国、香港，原来一向被艺术圈排拒在外的第九艺术「漫画」，不断变形，不断蔓延，从纸本到数位，透过一次次的升级渐渐深入当代艺术的脉络中。艺术家们有些是在创作内涵上受到卡通或动漫画的影响，有些则是将角色或人物形象的挪用在作品里，透过众人熟知的视觉形象诉说创作。
其实，即使是现在已经成为「大人」的我们，无一不是在心中仍深深保有从电视卡通或是漫画书中习来的童心。时至今日，拜科技神速进步的加持，卡通动画出现的形式早已跳脱纸本或单一电视屏幕，凭借数位技术加持的3D动画、在线游戏、虚拟角色甚至是扩增实境都渐渐成为当代生活娱乐的重要方式。藉由这些对照于生活现实来得刺激有趣并且愉悦的抒发管道，人们可以把做不到的对于美好生活的追求投诸其中，在真实生活中从来不曾降临过的天使都可以在幻想的世界里被塑造出来，难关可以轻易破除，而生命如此幸福美好。卡动漫以一种微观社会的形式让我们看到现实人生的缩影，有趣的角色、美好的剧情以及毫无限制的想象空间看似虚拟，却毫无疑问地是真实世界的映射，所以观众们才能在不同的故事中对号入座，找到自己人生的投射，一方面熟悉，一方面比真实的生活更完美而刺激。
在〈非常上瘾-日常生活美学的再延伸〉一展中展出了风格多元的台湾艺术家作品，其中世代较为年轻的林余庆和魏杏谕两人以淡雅的颜色及细致的线条勾勒出诡谲幻想的风格来探讨自我，作品象是诗歌一般营造出一种属于成人的童话世界，也带出对于周遭环境的呢喃感触。而曾雍甯的原子笔画则是开创了新工具新绘画语汇于纸本上，宛若来自原乡传统民艺形式、色泽及文化装饰带着目眩神迷的缤纷灿烂色彩，原子笔线条的繁复重叠，让人情不自禁想走入那个奇幻的异质世界中。相较起来，王建扬透过他镜头下的宅男宅女，以物件拼凑的方式把私密空间的「家」里展露在观众的眼前，这些裸体的男男女女们摆出各式各样的古怪姿势，画面中的空间也彷彿游乐园一般，跳跃着嬉闹着，把私与公的界限给彻底打破了。
然而说到少女般梦幻纯真的创作，有丰富剧场创作经验的何采柔风格一向柔美而幽微，这次展出的〈半透明的〉出自于同名的剧场装置作品，艺术家试图以戏剧的元素转化日常生活中的感官经验，以形塑一种「错置」的幻觉，穿着粉嫩黄裙的猫脸女孩一脸默然，面无表情地漂浮在墙上直视着观众，呈现出一种超脱现实的氛围。另外也展出卢之筠的雕塑作品〈我们生存在那断面之上〉，颜色清新，造型可爱的动物是艺术家运用现成的废弃建材、现成物，重新雕塑而成，意图探讨自我存在的本质，用充满强烈的暗喻及象征意涵的作品，藉由隐晦的方式传递她内心的情感和记忆。相对之下，爱伦公主的平面输出作品则试图将城市风景与想象交织，融合生活常用的用品，让视觉图像转化为有功能性的物件。
艺术家周珠旺以平面的立体的甚至动画形式的「猴囝仔」系列将存在心中深处的死小孩精神发挥到淋漓尽致，每个囝仔心中都并存了天使与恶魔，因为被现实世界的框框给限制住，所以势必会寻找一个逃脱的出口，以无伤大雅的恶作剧对着无奈的大人扮鬼脸，也游戏融入十二生肖的动物本能，表现了天真与邪恶并存的双重图像学。而说到怀旧儿时，没人能比林庆芳更加执着地自创「台式风格」来表达他对童年记忆的不舍。台风指的是台湾制造的独特风格，这次展出的作品台风之恋-尪仔标系列的三件作品里，林庆芳以不规则画布将我们共同成长记忆中的玩具或是卡通人物的形象拼贴互叠呈现，混合缤纷的色彩中充满了复刻的美感，宛如对那个美好年代的致敬！林建荣则是一贯以灯泡人天然呆的造型贯穿全场，全黑的身躯加上无面部表情五官只有一颗圆圆大头的雕塑，貌似童趣却又相当疏离而孤寂，与观众一同共享对逝去童年之怅然。
张腾远在创作中假想了一个从其他星球来到地球进行考古工作的生物学家，作品中的这个鹦鹉人将他对地球当代生活的分析一一记录下来成为地球指南，甚至也融入当地生活，模仿地球人的古怪行径。除了平面作品之外，艺术家另外以一个三频道的录像作品揭示看起来认真严肃的外星考古学者如何一本正经地把当代地球人生活变成科学论述。有趣的是，张腾远也将对国际知名的当代艺术家如Damian Hirst或Jeff Koons等人的嘲讽变成考古学家研究地球人异象的研究对象。创作同样来自看似不存在世界的黄赞伦擅长使用立体装置来讨论科技发展以及未来想象的议题。这次展出作品的〈安妮〉以背部长着龟壳之混种生物探讨人与动物之间的异同以及跨物种的伦理问题，长着雄鹿鹿角的安妮同时具女人身体，也呼应了台湾民俗中药材「龟鹿二仙胶」之文化意涵。此外，艺术家陈怡洁则是试图以理性的函数分析将人们记忆中共感的动漫角色转化成一个个的彩色同心圆，宛如某种群体记忆的集合，抽象却又绚丽地把卡漫人物符号化。在消费主导一切的大众文化中，其实每一个我们记忆中熟知的角色以及故事都是经过创作者或创作群缜密地计划，以消费者喜好的数据分析去创造出来的，为的就是能让人一看就印象深刻，视觉洗脑，彷彿催眠大法一般，瞬间将多数人的注意力以及记忆力兜在一起。
将动漫图像带入街头并且将之赋予发言权的涂鸦艺术家们一直是一支令人不容忽视的力量，其中Candybird的涂鸦作品在街头具有很高的辨识度，不管是废墟或是都会大楼的墙角都是他的即兴画布。特别的是，Candybird的创作养分是来自于亲身参与社会运动的过程，他相信艺术表现是社会实践的一种可能性，透过他的创作可以让更多被遗忘自角落的社会议题得到关注，因此在他的作品里经常会出现动物跟面无表情的人，都在传达他对社会结构的批判。而他的同侪艺术家Mr. OGAY则是以幽默嘲讽的手法试图颠覆生活中世俗虚假伪善的道德观，他自成一套的丑陋美学看似刺眼，但却能让大众将蒙蔽真实的纱揭开，直视我们所面对的问题或困境。涂鸦艺术一直以来都经常被视觉艺术边缘化，但这两位艺术家透过喷漆在公共空间的发声，比任何一种艺术形式都来得铿锵有力。另外一位跨足涂鸦、设计甚至是时尚造型的艺术家安地羊作品具强烈视觉风格，透过色彩、造型及线条丰富的造型与媒材，创作一种充满生命力的艺术形态。透过户外的镜面小屋创作，同时映照了现实世界跟变形的有机物合体的想象空间。 同样犀利地透过画作反映社会现象及新闻时事的则是艺术家颜妤庭，她以形似中国山水的画面描绘当代生活中的荒谬，〈树篱〉里五个篱笆间的场景，有人随地便溺有警察追逐有女体偷窥，再再显示出艺术家对生活的嘲谑。
再者是杜珮诗的定格动画〈想象的制造〉， 她以三频道录像的形式拼贴大量纪实摄影名家的作品，接续成一种影像的故事接龙让场景跟人物彼此产生关联。原来强调客观手法的纪实摄影掺入了无限想象的动画手法之后，让真实和虚拟交错，配合定格动画特有的手工制作画面，影片动态刻意营造出不流畅的生硬感，让作品超脱现实而且充满童趣。这次展览也特别邀请到台北艺术大学动画系的年轻动画艺术家，在动画影展区展出〈扭蛋叩喽叩喽〉、〈女孩与树〉、〈芭比寿司〉、〈System Her〉、以及〈Swim Your Way〉等六件作品，传达动画世界中对生活之初探。
台湾动漫美学虽然受到日本动漫的影响，但可以看出近几年来，年轻艺术家们纷纷试图以自己的语言及风格跳脱出窠臼，创造了新格局，让本来带着点避世意味的艺术表现形式与现实生活呼应，甚至反映出当下社会的真实，让御宅族们在卡通动漫世界中找到了一个通道，逐渐蔓延然后变形。
非常上瘾 --- 日常生活美学的再延伸
文/谢素贞
动漫美学是唯一跨越种族、宗教、国家、性别、年龄的美学。充塞弥漫于我们的日常生活当中。我不想以作品的形式分类，因为自1990年代开始，参与动漫形式创作的艺术家片地开花，人数众多且多采取各类形式媒材出现，多具有多元化特征且以连续的进行式活动，难以确实分类。他们的作品都在某方面具有后波普的基本精神和内容——对通俗题材的、商业泛滥、物质消费、媒体运作的社会的绝对客观的描述，一方面同时具有后现代的特质：断裂的、小叙事、碎片的、去中心、多元的，是积极的迎合时代，重视现实的态度。
当代艺术则对应这个时代的生活美学导向：展现避世、讽刺、幽默、想象的文人姿态，若中国古代文人画，寄情于山水之中。其中部分当代艺术家则寄情于动漫的人物及异想的场域抒发自我对环境的客观表述；代表轻松欢愉及另类价值的艺术社会学观。这类美学的简化颇带有超现实及波普艺术的延伸，但是又深入民众的生活，跨越艺术与设计的界限，也提出了下个世代的生活新美学观。
2004年台北当代艺术馆首次举办动漫展“虚拟的爱”，成功地让对当代艺术冷感的台北市民感受到当代艺术的美妙及放松。必须在烈日下排队2个小时方可进入美术馆，所研发的文创纪念品在记者会时便销售一空，年轻学子更是拿着睡袋，漏液排队希望可以拿到奈良美智的签名！更遑论由日本飞来的奈良美智的粉丝及台湾各地慕名而来的观众，自此当代艺术不再是高高在上的，看不懂的玩意儿。接下来2005年的“非常厉害”，让设计与动漫艺术跨界，也获得巨大了的回响。从此当代艺术在台湾成为显学，在年轻学子中间流传--“如果你还没去台北当代艺术馆，就LOW了！”再延至2013年底于上海当代艺术馆举办的草间弥生个展“我的一个梦”吸引了30万民众的观赏，开启了普通观众对当代艺术的启智想象门槛！为此银川当代美术馆邀请40多位中、台、日、韩动漫艺术家，意欲以动漫美学撞击大西北民众的视觉感受，期待动漫的常民美学掀起大众对艺术的好奇心。
目前动漫美学弥漫最深化的地区是泛亚地区，主要集中为中、台、日、韩、印等地区，波普运动基本上仅仅在美国和英国发展，在其它欧洲和西方国家则并没有形成运动。这些运动与社会演进、资讯开放、艺术氛围、市场运作皆有不同深浅关系；动漫艺术家对于这些通俗的、日常的、商业的、媒体主导的、支离破碎主题的处理不约而同的显现出一些特质：
波普精神再转化 ：1956年理查德•汉密尔顿(Richard Hamilton)、以一副拼贴画《究竟是什么使今日家庭如此不同、如此吸引人呢？》（Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?）使人们从传统美学的眼界回到日常生活里。画里有药品杂志上剪下来的肌肉发达的半裸男人，手里拿着像网球拍般巨大的棒棒糖；有性感的半裸女郎；室内墙上挂着裱好框的通俗漫画《青春浪漫》；桌上放着一块“罗杰基斯特”牌火腿；还有电视机、录音机等现代普片家电；窗户外是街道上的巨大电影广告的局部。还有罗伊•利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）、安迪•沃霍尔(Andy Warhol）他们借用低俗来对抗高雅，通俗的商业主题，日常生活中的细节转化为主流的艺术，演变成为市场高价追捧的“艺术商品”。及至到近年来颇受争议特纳奖的得主的马丁•格雷格(Matin Creed)，艾未未于伦敦泰特美术馆展出的陶瓷葵瓜子装置，再到奥拉维尔•埃利亚松（Olafur Eliasson)将日光、彩虹、水流、迷雾等日常自然元素成为他作品的重要表现，无论是波普或是后波普当中，日常生活元素已经是艺术家历久不衰的创作元素，而如何以最不起眼的生活元素创作出耐人寻味的艺术共享，一直是艺术家最具挑战的课题。动漫艺术家延续波普精神的创作颇为普遍，尤其是年轻艺术家采取日常事物的微缩如连环画、怀旧动漫角色、著名汉堡包、全球饮料瓶、罐头盒等，或者以绘画形式表现，或者直接采用这些商品和日常用品做为艺术主题。捕捉支离破碎感的瞬间，融入这个数码、信息时代的疏离感，并且采用了几乎可以说是绝对客观的方式，以“感官美学”冷漠地反映了这个物质社会的刻板、冷漠、非人情化的现实状况。有些作品则具有很高的游戏色彩,表现的是戏谑玩笑的心态，而没有什么过多矫揉造作的动机。
这些动漫艺术家对于他们使用的表现对象，没有大称赞、没有强表扬，也没有贬低和反对，仅仅是不热情地表达。在人物上强调小自我的表现，小情绪的表达，抛弃所有传统画派的“自我’，把每天充斥于我们感官的商业内容、讯息的支离破碎印象、臆想的空间以拼合的方式再呈现给大众。虽然作品呈现客观和不参与艺术家的感情活动，其实它本身也是当时社会的一个反映。内容展示有改革开放以来的通俗漫画，奢侈传媒和垄断的支离破碎的国际讯息，消费主义心态、采用艳俗手法等等。这些艺术家都对于自己的作品具个人娱乐化、讲究制作精细的工艺支持，不是绝对的客观主义，相对的还没去中心化，去权威化，及相对理性，是相对的客观主义，与欧美的后普普有重叠与交叉。
它的纵情声色、感性和反美学、玩笑化在中国动漫艺术中繁衍开来，枝桠变种的开出奇花异果，具有这时代的清晰痕迹，同中有异。
而这些速食文化的累积消化为艺术，反映在艺术的现象需要时间及距离才能逐渐梳理为艺术的轮廓，无论是其中会有误读的美妙、泛滥的概念、移情的征兆，种种都成为艺术史谬论的争议，未必不是养分。
资讯消费的设计：詹姆逊认为，随着资本主义进入晚期资本主义阶段，它的文化发展也相应地进入资本的扩张达到了前所未有的程度，资本征服了一切领域，宣告了一个新的文化时代的到来。后现代主义则标志着资本主义发展到一个更高更纯粹的阶段。“在后现代主义中，由于广告、形象文化、无意识以及美学领域完全渗透了资本和资本逻辑，商品化的形式在文化、艺术、无意识等等领域无所不在，正是在这一意义上我们处在一个新的历史阶段。”他认为，资本和商品原则的全方位渗透使强调批判、怀疑、超越、保持距离的现代主义逐渐失去了其存在的现实基础， “文化已经完全大众化了。”
艺术与设计的边界在这个世纪确实已经模糊，彼此借用、转移、萃取，也同时被资讯概念化了，极少的丑陋及粗糙存在于设计的领域之中，也是设计界不断挪用潮流趋势，在每一季摆脱过去，否定过去，企图用时髦的概念促进消费，缔造人类文明的文明智慧精华，在世界各地的设计博物馆中可以看到各个时期引领风潮的代表作品。这种强调以原创为中心价值的现代艺术与设计理念，从现代主义开始，延至到观念艺术、后现代主义、甚至是后后现代主义，无一不与社会学发生关系。国家资本主义、帝国主义、晚期资本主义，是尚无商品化、技术高度发达的信息社会。随着艺术自身形态与疆域的转变，观念先锋们开始打破时尚与艺术的界限。奢侈品牌也逐渐意识到艺术能为商业带来的巨大影响力和推动力，于是，二者开始频频跨界合作，从各大设计名牌纷纷与艺术家合作，寻找双赢的消费市场，如：众所周知的LV集团先后与日本艺术家村上隆、草间弥生、中国艺术家丁乙等合作；ETRO与日本摄影师蜷川实花（Mika Ninagawa）；蔡国强与日本设计师三宅一生合作“爆炸时装”。
西方品牌独特的文化品味和审美体系，已经习惯与当代艺术联姻为广告媒体带来新生的视觉变革。表现形式多样，呈现的内涵也越来越具深度和扩展性。
在资讯社会中，个人对时间和空间的感受产生了新的变化，历史的深度消失了。多民族、无中心、反权威、叙述化、零散化、无深度等概念是这个社会的主要文化特征，“后现代主义”是对这些特征的概括。同时图片化的快速替代、手机的革命时代来临，文字来不及记载更新沉淀，古今混合的世道盛行，怀旧情绪更甚于其他世代，“寻找记忆中美好的岁月”是当今怀旧浪潮的始端。当生活富裕时，人们开始拒绝严肃，嘲弄戏谑当道是时代认证的艺术，资讯改变人们审美的品味及方式，无暇再去观赏高雅文化，高雅文化与通俗文化隔阂消失，文化不是逃避生活方式，相反的，设计进入生。同文化一样，生活成为消费品，资讯颠覆了生活。设计+消费=生活，后现代是个“文化消费”的时代，此“文化“便是大众文化。波普艺术非常注意的通俗文化主题是新闻媒体。自从第二次世界大战结束以来，新闻媒体已经日益成为我们生活中的一个不可分割的部分，电视、报纸、杂志铺天盖地，几乎无法逃避它们日夜轰炸性的攻击，量的攻击是新闻媒体对于我们生活的最大影响，巨大的讯息量其实是人们无法消化的，但是庞大的新闻媒体集团却通过电视机、报纸、杂志等等形式不断的把所谓的新闻和讯息无孔不入地、强迫性地塞给大众，而这种强迫性又是在各种通过精心设计的，以商业广告包装的方式进行的，因此大众是在无特别防范的状态下被媒体俘虏的，生活的品质也因而发生了改变，人际关系也因此发生改变。我们接受到的由新闻媒体传递的信息却又是破碎不堪的，电视频道繁多，内容繁杂，做为一个接受者，我们的思路完全没有一个完整的体系，受到各种不同媒体传播的各种完全没有关系的内容的被动性影响，因此支离破碎性的印象是现代人生活的一个非常重要的特征，动漫艺术采用的表现方式，在很大程度上是表现这种支离破碎的媒体印象。
现实的文化虚拟：安迪沃荷借由32副手绘汤厨罐头扬名，被评论为当代艺术最重要的贡献。当罐头从货架移到画廊墙壁展示时，“对广告的看法就此改观”这些日常的汤罐是艺术商品化的滥觞。他中年从事模特儿职业，他开播个人电视脱口秀节目，他拍电影、经纪乐团，他开启了“只要我喜欢，有什么不可以”的艺术商业价值体系的先锋。继而到现代的英国有达米安赫斯特（Damien Hirst),开时尚餐厅，作品与英国登陆太空的登陆小艇合作，他的名言为：“成为名牌是生命中重要的事，我们所存在的世界就是这么回事”。日本知名艺术家村上隆丝毫不讳言艺术是一种赚钱的手段，为了实现他理想中的“艺术创业”，他认为艺术不但要投入金钱，也要拥有国际视野及宣传战略。如果不能建立以世界主流艺术为目标的战略，不明白艺术行业的运作逻辑，艺术家就无法生存。这些不断被传颂的艺术家创业概念，颠覆了传统大众对艺术家的生存观，倡导艺术与商业的相互依赖及平行不悖。
资讯时代的流行文化培养出审美趣味接近的新一代的艺术家，有着相似的成长背景。卡通、漫画、动画的形式对他们再熟悉不过了，这些元素充斥在生活的每个角落里，信手拈来，再赋予众多复合媒材的使用，已经创造出不同于之前大众耳熟能详的千百姿态，而且结合了现代社会高效能的产出，乐意与多种媒介合作，不排斥商业的运作。毕竟这个时代，精明积极的画商聚等在各大美院毕业展的展览中，期待下一个艺术商品的产生。铺天盖地的网媒罗列着精美的图片加上雷人的标题，再也没有梵谷这类郁郁不得志的天才艺术家逃离艺术运作的市场系统。动漫艺术家对媒体并不排除，甚至了解适当的市场经济及艺术投资是艺术发展的原动力，没有人否认“欲望”支撑着人类文明的迈进。展览、出版、广告、文章、画廊、拍卖会、博览会、艺术基金、与奢侈品合作、文创品批量生产甚至是慈善拍卖会都是运作推广的一部分，没有艺术家将合理的行销推拒于门外。动漫艺术家比传统艺术家更乐于多方面的尝试，进入大众的眼帘。从美术馆、博物馆、精品店连琅满目的手机壳、文具百物、手袋到旅游园区的标导，各大运动会的吉祥物，无不是以动漫构图作为跨国际沟通艺术的桥梁。这批动漫艺术家不排斥写实性、唯美性、叙述性，市场性，以绘画、摄影、影像、雕塑、装置及新媒体互动影像等，引导观众进入真假交迭动漫式的创作场域里，艺术家游移现实与梦想之间，欲望填塞，没有边界，唯有名利唤起现实。
观念通过动漫艺术的进一步表达，明确当代艺术与现代生活的关系以及现代生活中的位置，通过各种展览的形式，情节功能，审美功能，传播媒介都已经有了变异的转化，使得受众能有不同的触及而有新的思考及碰撞，也使得观众较能清晰地了解及观看艺术的发生，并更能以一种主动及开放的态度参与介入到生活紧密相关的当代艺术之中。这是传统视觉艺术所无法超越的部分，也是这世代艺术中与观众互动最频繁的时代。对历经无数可操作的美学及材料试验之后，当代艺术在人与物，形式及内涵面临已经不同的认知与交融。这些动漫艺术势必成为这世纪的美学趋势，或如同印象派的被拒于美术馆展览之外，又或许是艺术市场史替代传统美术史的撰写，艺术市场为王道论述；亚洲新兴市场的兴起，为已经沉珂的西方美术史注入新的观点及力量，随着岁月流转，动漫艺术的创新与演化显然不具烟花的角色，而成为艺术语境中最具探索及讨论的类喻。

网址：ArtCM 艺厘米 https://www.yuejiaxmz.com/news/view/110295

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